笹原武洋（Takehiro Sasahara）は、日本の東京と仙台を拠点に活動するフリーランスの写真家です。
もともとグラフィックデザインを学び、デザインスタジオで勤務する中で、次第に写真への関心を深めていきました。約25年前、その関心をきっかけにプロの写真家へと転身しました。当初はポートレートやファッション写真を中心に、広告、雑誌、パンフレット、テレビ局のプロモーションポスターなどの撮影を手がけていました。
その後、活動の軸は商業写真および広告写真へと広がり、現在はANGELINAウエディング会場や天童ホテルといったホスピタリティ施設、khb東日本放送などの放送局、月光川蒸留所（ジャパニーズウイスキー）や複数の日本酒メーカーといった飲料ブランドなど、幅広いクライアントと仕事をしています。スチル写真に加え、三井不動産ビルマネジメントなどのクライアント向けに映像制作も行っています。
グラフィックデザインのバックグラウンドは、写真家としてのあなたにどのように役立っていると思いますか?
デザインの基本は整理整頓だと考えています。何かを伝えるために情報を整理する――これがグラフィックデザインの最も重要な役割であり、写真においても同じです。何を見せたいのかを明確にし、視覚的な要素を整理することを常に意識しています。
デザイナー時代、私は写真を「背景」や「素材」として扱っていました。文字やグラフィックを載せるための土台として写真を見ていたんです。でも写真家になった今、写真は「メイン」です。ただ、デザイナーとしての視点は今も残っていて、それが大きな強みになっています。
例えば、広告写真とページ物の写真では求められるものが全く違います。広告なら1枚で伝える強さが必要ですし、雑誌やパンフレットのようなページ物ならストーリー性が求められます。デザイナー経験があるからこそ、この違いを理解した上で撮影に臨めます。
また、アートディレクターが何を求めているかも理解しやすいです。レイアウトがまだ確定していない段階でも、文字が右に入るか左に入るか、モデルがどちら側に配置されるかを想定して、両方のパターンを撮っておくという判断ができます。「使われる側」でありながら「使う側」の視点も持っている――これによって、クライアントやデザイナーとよりスムーズに仕事を進められるのは、デザインのバックグラウンドがあるからこそだと思います。
日本はデザインと写真の両方において非常に高い評価を受けている国です。この環境はあなたの創作に影響を与えていますか?それとも、時にプレッシャーを感じることはありますか?
正直に言うと、「隣の芝生は青い」という感覚はあります。日本にいると、どうしても海外の環境の方が良く見えてしまうものです。でも、海外から「日本は評価が高い」と言われることで、改めて自分の環境の良さに気づかされます。
日本の広告について言えば、1964年の東京オリンピックから2000年代初頭ごろまでは本当に素晴らしい時代でした。多くのグローバル企業が大きな予算をかけて、世界に向けて素晴らしい広告を作っていました。しかし今は、中国、香港、韓国などにグローバル企業が増え、彼らの広告を目にする機会がとても増えました。そして率直に言って、それらの国々の写真やデザインは本当に素晴らしいと感じています。
確かに、かつてのような大規模な予算の広告は減りました。しかし、その分、私たち日本のクリエイターは「限られた条件の中でいかに質を高めるか」という、職人的な細部へのこだわりに磨きをかけています。派手さよりも、繊細さやストーリー性を重視する方向にシフトしていると感じます。
日本人ならではの仕事に対する丁寧さや繊細さは、これからも大切にしていきたいと思っています。また、日本にいるとなかなか気づきにくいのですが、日本は表現において非常に自由な環境です。宗教的な制約がほとんどないというのは大きな特徴です。12月にクリスマスを祝い、2週間後には初詣で神社に行く—これは日本以外ではちょっと考えられないことではないでしょうか。この文化的な柔軟さや自由さが、いろんな文化を取り入れることができる感覚に繋がり、それが何らかの形で写真にも影響しているのかもしれません。
日本の写真のレベルが高いと評価していただけることは、とても素晴らしいことだと思います。今はそれがプレッシャーになるということはありません。むしろ、その評価に応えられるものを作り続けたいという励みになっています。
あなたのウェブサイトを見ると、主に「ウェディング」「建築」「料理」という3つの分野で撮影されているのがわかります。それぞれ異なる技術や視点が求められる分野ですが、あなたの中ではどのようにつながっているのでしょうか?
まず、これらはすべて広告撮影です。ウェディングといっても、実際のカップルを撮っているわけではなくて、結婚式場のパンフレット用にモデルを使って撮影しています。建築は旅館やホテルの空間、料理は飲食店や日本酒、ウイスキーといった商品撮影です。
確かに、それぞれ異なる技術や視点が求められます。スイッチが変わる、と言った方がいいかもしれません。使う機材も撮り方も全く違います。でも、やっていることの本質は同じです。被写体の魅力を引き出して、そこに新しい魅力を加える。空間を整理して、どんな光で撮るかを考える。これはポートレートでも建築でも料理でも変わりません。
私が特に大切にしているのは、撮影を通じて新しい発見をしてもらうことです。例えばモデルさんなら、「私らしい」と言ってもらえる写真と、「私じゃないみたい」と新たな自分を発見したような写真、両方を撮りたいんです。旅館の空間でも、クライアントの商品でも同じです。人って、自分では気づかないことがたくさんあるんですよね。それを写真で見せる。これは人だけじゃなくて、空間でも料理でも変わりません。
日本のビジュアルカルチャーにあまり馴染みのない読者のために、ウェブサイトに掲載されているポスターについて少し教えていただけますか?それらはあなたの仕事の中でどのような役割を果たしていますか?
これらは地方テレビ局の番組ポスターです。日本には全国ネットのキー局だけでなく、各地域にローカル局があり、それぞれ独自の番組を制作しています。仙台のKHB東日本放送もその一つで、地域の文化や特色を反映した番組を作っています。
例えば、伊達政宗の甲冑を着た芸人さんを撮影したものがあります。伊達政宗は仙台の象徴的な歴史上の人物です。また、宮城県を紹介する番組では、仙台の街をイラストにして、そこに出演者を配置したポスターもあります。
日本のポスターの特徴として、漢字、ひらがな、カタカナ、英語という文字種が混在することで情報量の多いレイアウトになりやすく、タイポグラフィや余白設計の重要性が高いと感じます。そのため、写真を撮る際も、文字が入るスペースや余白を意識した構図を考える必要があります。これもグラフィックデザインの経験が生きているのかもしれないですね。そして、これも異なる文化を柔軟に取り入れる日本ならではの特徴かもしれません。
私の仕事としては、番組の出演者を撮影し、アートディレクターがそれをポスターとしてデザインします。ポスターの場合、出演者の立ち位置からポーズ、タイトルなどの文字の位置まで、すべて計算された状態で撮影に入ります。駅などに大きく貼り出される、テレビ局の顔となるものなので、アートディレクターと詳細に話し合って撮影に臨みます。仙台には4つの民放局がありますが、その中の1つのビジュアルを担当させてもらえることは、とても光栄です。
写真家としてのこれからの未来を、どのように思い描いていますか?また、今後さらに学びたいことや探求したいことは何でしょうか?
まず、仕事は続けていきます。ここ数年で大きく変わってきたのは、映像を撮る機会が増えたことです。写真家が映像も撮ることが多くなってきていますし、私もそうです。
写真は瞬間を切り取るものですが、これからは「時間の流れ」をもっと深く探求したいと考えています。映像を、ただの動画としてではなく、時間軸のある写真として捉えたい。写真で培った構図力や光の考え方を活かしながら、時間の流れの中で被写体の魅力をどう引き出すか。これは写真とは違う挑戦であり、さらに深めていきたいと思っています。
それから、海外での仕事にチャレンジしたいという思いがあります。以前の質問でも触れましたが、日本人としての感覚が海外での撮影でどう表れるのか、試してみたいんです。今回Meravさんとこうして繋がることができたので、もし一緒に仕事ができたら素晴らしいですね。
もう一つ、これは学びたいというより、今まさに直面していることですが、写真を取り巻く環境が大きく変わってきています。デジタルやSNSが主流になって、写真の見方、見せ方、扱われ方が変わりました。InstagramやTikTokのような縦型の写真や動画、スマホで見ることを前提とした撮り方、いいね数やエンゲージメントを意識した撮影。この変化に対しては、アシスタントなど若い世代と一緒に仕事をする中で、私が彼らから学ぶことの方が多いですね。
JPEGminiとの出会いについて教えてください。あなたのワークフローはどのようなもので、JPEGminiは日々の撮影業務の中でどのように役立っていますか?
JPEGminiとの出会いは、もう10年くらい前になると思います。ホームページに写真を掲載する時に、画質と容量のトレードオフに悩んでいた時に知りました。
写真が印刷物よりもWeb上で見られるようになった今、JPEGminiは必要不可欠なツールだと思っています。自分が撮影した写真のクオリティを落とさずに、データ量を削減できる。これは単に技術的な問題ではなく、クライアントワークにおいてとても大切なことだと感じています。
データ量を少なくしてダウンロード時間を短縮できるということは、クライアントの時間を奪わないということです。クライアントは忙しい中で私の写真を確認してくれています。その時間を少しでも短縮できることは、プロとして大切な配慮だと思います。
日本で、キャリアチェンジを考え写真家になりたいと思っている人に、どのようなアドバイスをしますか?
可能だと思います。今はSNSで自由に発信できる時代なので、可能性は広がっていると思います。両方やりたければ、今の仕事を続けながら写真も発信していけばいい。昔よりもずっとやりやすい環境です。
私にとってのデザイン経験がそうであったように、あなたが今まで別の業界で経験してきたこと—営業、エンジニア、接客など—は、写真家としてのユニークな視点や武器になります。技術は後からついてきます。ただし、趣味ではなく仕事にするのであれば、基礎をしっかり学ぶ必要はあります。まずは「なぜ撮るのか」「何を伝えたいのか」という自分の核を見つめてください。
キャリアチェンジしたいと思っているということは、何かきっかけがあったはずです。その気持ちを大切に、考えすぎずにまず動いてみることです。撮り始める、発信する、人に会う。日本のクリエイティブコミュニティは意外と狭く、温かいです。積極的に人と会い、作品を見せる勇気を持ってください。
一番大切なのは、「やりたい」「なりたい」ではなく、「やるんだ」「なるんだ」という決意だと思います。その決意があれば、道は開けるはずです。
最終的な考察
笹原武洋の作品は、派手さではなく明快さによって導かれています。グラフィックデザインのバックグラウンドと、長年にわたる商業写真の経験によって培われた彼の写真は、人物、空間、モノといった被写体すべてに対して、注意深く、意図的で、深い敬意をもって向き合っています。
ウェディング、建築、料理、映像という異なる分野においても一貫しているのは、構成、光、空気感への繊細な感覚と、「良い写真は過剰な演出ではなく、理解によって生まれる」という彼の信念です。急速な技術革新と自動化が進む時代において、笹原の視点はとても地に足のついたものです。ツールは進化していきますが、意味や価値は「その場にいること」、被写体と向き合う姿勢、そして人間としての体験から生まれると彼は考えています。
彼の作品は、写真とは単に「見る」ものではなく、「感じる」ものであり、その感覚が時間をかけて丁寧に立ち現れてくるものだということを、静かに思い出させてくれます。
